STATEMENT ON OPEN STRIKE IN THE CULTURAL SECTOR IN LEBANON ■ بيان المؤسسات والكيانات الثقافية دعماً لانتفاضة الشارع

In solidarity with and participation in the popular uprisings taking place across Lebanon against the current systems of power, we the undersigned cultural organizations and structures collectively commit to Open Strike, and call for our colleagues in the cultural sector to join us.

Arts and Culture are an integral part of every society, and the expanded space of creative and critical thought is imperative in times of upheaval. The strike is therefore not a withdrawal of the arts and culture from this moment, but rather a suspension of “business as usual.” 

In this period, we will maintain minimum necessary administrative and basic operations, with team-members who are willingly fulfilling our respective responsibilities. The strike is also in response to the desires of team members to be on the street, a desire we are legally and ethically bound to.

While on strike, we are connecting with colleagues across sectors and groups to formulate together what we can contribute to the movement. We are part of a national, regional and global desire to dream, think, fight for, enact and embody radical imaginations leading to structural and systemic change. See you on the streets. 

تضامناً مع الانتفاضة الشعبية القائمة في كافة أنحاء لبنان ضدّ منظومة السلطة الراهنة، تعلن المؤسسات والمنظمات والكيانات الثقافية الموقعة أدناه انضمامها وتأييدها للإضراب المفتوح، داعين زملاءنا في الحقل الثقافي للانضمام إلينا.

الفنون والثقافة من ركائز المجتمع الأساسية إذ تسهم في خلق المساحة الضرورية للفكر النقدي والإبداعي في وقت الأزمات. وفقاً لذلك، لا نعتبر الإضراب انسحاباً للثقافة والفنون من هذه اللحظة الاستثنائية، بل هو تعليق لـ “الأعمال المعتادة”.

سنُبقي في هذه الفترة على الحد الأدنى من الأعمال الإدارية بمساهمة زملائنا الراغبين طوعاً في إتمام المهام الضرورية. كما يأتي هذا الإضراب أيضاً تلبية لرغبة زملائنا في النزول إلى الشارع، وهي رغبة نلتزم بها أخلاقياً ثم قانونياً.

خلال هذا الإضراب، نحرص على التواصل مع زملائنا في مختلف القطاعات والمجموعات لكي نصوغ معاً مساهمتنا في هذه الإنتفاضة. إنّ موقفنا هذا هو جزء من رغبة محلية وإقليمية وعالمية، في الحلم، والتفكير والنضال لسنّ مخيّلات راديكالية في سبيل إحداث تغيير منهجي وبنيوي. نلقاكم في الشارع.


Arab Image Foundation

ُThe Arab Fund for Arts and Culture – AFAC

Beirut Art Center

Sursock Museum

UMAM Documentation & Research

House of Today

TAP/ Temporary Art Platform

Beirut DC

Dar El-Nimer for Arts and Culture

The Hangar

MACAM – Modern And Contemporary Art Museum

Culture Resource (Al-Mawred Al-Thaqafy)

Metropolis Art Cinema


Ashkal Alwan


Shams: The Cultural Cooperative Association for Youth in Theatre and Cinema

Ettijahat-Independent Culture


Beirut Art Residency’



Ishbilia Theatre and Art hub- Saida

Action for Hope

Collectif Kahraba

Sfeir-Semler Gallery

Beirut and Beyond

Dar Onboz

Mina Image Center

KOON Theater Group



Zoukak Theatre Company and Cultural Association

Dar al-Mussawir


Zico House

Fondation Liban Cinema

Hammana Artist House


Beirut Spring Festival

L’Orient des Livres

Editions Snoubar Bayrout

Clown me in


Home Works 8: A Forum on Cultural Practices at Mina Image Centre ■ أشغال داخلية ٨: منتدى عن الممارسات الثقافية في مركز مينا للصورة

October 17, 2019 – November 30, 2019

الخميس، ١٧ تشرين الأول حتى ٣٠ تشرين الثاني، ٢٠١٩

Courtesy of the artist and Edouard Malingue Gallery, Hong Kong for R for Resonance | بإذن من الفنان وغاليري إدوارد مالينغ، هونغ كونغ

R for Resonance by Ho Tzu Nyen

2019, Installation with VR video 360 degrees, ambisonic sound through headphones, single-channel video projection, 6-channel sound

Gongs are ubiquitous ritual and musical objects found everywhere in Southeast Asia. To tell the story of the Gong in this region is to embark upon a story spanning at least 5,000 years, beginning with the Southeast Asian Bronze Age. In R for Resonance, this complex tale of cultural diffusion, technological adaptation, and social domination is condensed into a dream-like visual dictionary unfolding in Virtual Reality, in which the recurring form of the circle opens to ever-expanding rings of associative vibrations.

R for Resonance is the 9th volume of an ongoing project, The Critical Dictionary of Southeast Asia (CDOSEA). This project begins with a question: What constitutes the unity of Southeast Asia, a region never unified by language, religion or political power? CDOSEA proceeds by proposing 26 terms for the 26 letters of the English/ Latin alphabet; each is a concept, a motif, or a biography, serving as a thread that the artist uses to weave new tapestries of this region that isn’t one.

ر: رنين- هو تسو نيان

٢٠١٩، تجهيز من ڤيديو واقع افتراضي ٣٦٠ درجة وصوت مكانيّ من خلال سماعات أذن وعرض ڤيديو أحادي القناة وشريط صوتي من ٦ قنوات، ٣نسخ + نسخة الفنان.

تعد صنوج الغونغ من العناصر الطقسية والموسيقية واسعة الانتشار في جنوب شرق آسيا. الجدير بسرد حكاية الغونغ في هذه البلاد أنه ينفتح على حكاية عمرها لا يقل عن خمسة آلاف عام، تنطلق مع مطلع العصر البرونزي في جنوب شرق آسيا. يسعى هذا العمل لاختزال هذه الحكاية المعقّدة، في تعرّضها للانتشار الثقافي والتأقلم التقني والهيمنة الاجتماعية، حتى تمسي معجماً بصرياً أشبه بالحلم، يتكشّف عن واقع افتراضيّ تظهر فيه الدائرة على نحو متكرّر فتنفتح، بدورها، على حلقات من التذبذب المتداعي في اتساع مطرد.

«ر: رنين» هو القسم التاسع من مشروع ممتد يحمل عنوان «معجم جنوب شرق آسيا النقدي». ينطلق هذا المشروع من سؤال حول ماهية وحدة جنوب شرق آسيا، وهي منطقة لا توحّدها اللغة ولا العقيدة ولا السلطة السياسية. من ثم يسعى المعجم لطرح ٢٦ مصطلحاً، يقابل كل منها حرفاً من أحرف الأبجدية الإنكليزية/ اللاتينية، يعبّر كل منها عن مفهوم أو ثيمة أو سيرة ذاتية. وهكذا، يقتفي الفنان خيطاً ينجدل في نسيج مغاير، يعبّر عن منطقة ليست “واحدة”.

Courtesy of the artist | بإذن من الفنانة

God’s Army (and other suffering loves) by Jumana Emil Abboud

2018-2019, Drawings, folded paper sculptures, wooden sculptures, video (1’24’’)

Unravelling the space between vessel and void, as well as desire and emptiness, God’s Army (and other suffering loves) draws its inspiration from the locust invasion of 1915 and other collective and personal misfortunes that enforce a state of exile, longing, and unrequitedness. The project draws our attention towards the question of how we move amidst extremes and between times; or rather, how we are forced into such states of being when circumstances are beyond our control. The artist’s research, drawings, sculptures, and video works stage an environment fixated in multi-layered and coded imagery. The works speak of entrapments, bilateral dimensions, gesturing language, loves unrequited, passions starved, and healing bruised⁠—mapped out across a deprived territory that is masquerading as abundance as it sways inside and outside of time.

جُنْد الرب (والطوفان الآخر) – جمانة إميل عبّود

٢٠١٨- ٢٠١٩، لوحات ومنحوتات ورقية وخشبية وڤيديو ١ د ٢٤ ث

يتكشّف هذا العمل عن المسافة ما بين الوعاء والفراغ، وما بين الرغبة والخواء، فيستلهم حادثة اجتياح الجراد في العام ١٩١٥ وغيرها من البلايا، العمومي منها والشخصي، والتي أسفرت عن نزوح وتوق وصبا. هكذا يدعونا هذا المشروع للانتباه إلى مسألة الحركة من الأقصى للأقصى وما بين الأزمنة، أو بالأحرى كيف تُفرض علينا تلك الحالات فرضاً، حينما تخرج الظروف عن تصرّفنا. تصوغ الأبحاث التي أجرتها الفنانة، إلى جانب الرسوم والأشغال النحتية والڤيديو معاً، محيطاً متأصلاً في تصوّرات متعددة المستويات مليئة بالشفرات، تنطق بحال الوقوع في الفخ، وازدواجية الأبعاد، واللغة الموحية، وصبا العشق والاشتياق للرغبة، وتكدّم التعافي، وقد خُطّت كلها على أرض (جسد) محروم(ة) تتشدّق برغد العيش، بينما تتأرجح داخل الزمن وخارجه.


“SAND COMES THROUGH THE WINDOW” TAYSIR BATNIJI ■ الرمل يأتي من النافذة» تيسير بطنيجي»


June 6, 2019 – August 11, 2019

الخميس، ٦ حزيران حتى ١١ آب، ٢٠١٩

Perhaps, in their attempt to meet, people seek to forget.

Hanna Mina “Snow Comes Through the Window”

Unlike Hanna Mina, whose novel inspires the title of this exhibition, in his works, Taysir Batniji does not seek to forget, but to embody the concepts of void, absence and separation. His works are pivoted on the representation of absence and the possibility of the disappearance of its forms of representation. 

Batniji lives in Paris, where he works with a land from which he cannot work. In his recent work, Disruptions, he takes screenshots of encrypted WhatsApp conversations with his family in Gaza. At times, he would see his mother and at others he witnesses her disappearance. The scrambled images, sometimes due to poor internet connection and at other times because of war, transpose us to a space where the public and private are intertwined.

In Fathers, Taysir took images of fathers, whose photographs hung prominently in public spaces around the city of Gaza. The images foreshadow spaces where those photographs appear in workshops and shops around town, a majority of which may have been inherited and handed down by those absent fathers. 

The images are not much of a sociological work on fatherhood as much as a research work that deals with the relationship between the photograph and the duality of presence and absence, or the idea of the presence of absence. The Traces with water colors collection then offers an interrogation of the aftermath of absence. 

Batniji draws on the works of Bernd and Hilla Becher on water tanks, to offer a topographic document of the Israeli watchtowers spreading throughout the West Bank. In Watchtowers, Batniji sought to produce an optical illusion, where the viewers believe that they recognize what they are seeing, its content and its author. It is only on close inspection that one realizes that these images have nothing to do with Becher’s techniques. Here Batniji, invites his viewers to look closely on this turbulent presence as he transforms it into a record of disappearance, absence and separation. 

لعل الناس يسعون إلى النسيان في سعيهم إلى اللقاء.

حنا مينه، «الثلج يأتي من النافذة»

خلافاً لحنا مينه، المستوحى عنوان المعرض من روايته، لا يسعى تيسير البطنيجي في أعماله إلى النسيان، بل إلى تجسيد مفاهيم الفراغ والغياب والانفصال. فأعماله تتمحور حول تمثيل الاختفاء وإمكانية اختفاء أشكال التمثيل.

البطنيجي يقيم في باريس، ويعمل من هناك عن أرض لا يستطيع العمل فيها. ففي أحدث أعماله «انقطاعات» يسجل صوراً للشاشة أثناء محادثات مرئية عبر تطبيق الواتس آب مع عائلته في غزة. فهو تارة يرى والدته وتارة يشهد على اختفائها. الصور المشوشة الناتجة أحيانًا من ضعف شبكة الاتصال، وأحيانًا أخرى كثيرة من الحرب، تحيلنا إلى ذلك الفضاء الذي يختلط فيه الخاص بالعام. 

التقط تيسير صوراً لآباء تتصدر أماكن عامة في مدينة غزة، مبرزاً الحيّز الذي علقت فيه مجموعة “آباء” كالورش والدكاكين والمحال التي قد يكون جزء كبير منها موروثًا عن هؤلاء الآباء الغائبين. الموضوع هنا ليس سوسيولوجيًّا بمعنى طرح للمفهوم الأبوي، إنما هو عمل بحثي عن العلاقة بين الصورة من جهة وثنائية الحضور والغياب أو فكرة حضور الغياب من جهة ثانية. وتأتي مجموعة آثار بالألوان المائية لتسائل حالة ما بعد الاختفاء.

استوحى البطنيجي من أعمال برند وهيلا بيشرحول مستوعبات المياه ليقدم وثيقة طوبوغرافية لأبراج المراقبة الإسرائيلية المنتشرة في الضفة الغربية. أراد البطنيجي تشكيل خدعة بصرية، حيث ينظر المشاهد إلى الصور معتقداً أنه يعرف محتواها ومُصوّرها، ولكن سرعان ما يدرك بعد مشاهدتها عن كثب أن لا علاقة لها بتقنيات بيشر. هنا يدعو البطنيجي مشاهديه إلى التدقيق في هذا الحضور الصاخب محوّلًا إياه إلى سجل للاختفاء والغياب والانفصال.

In the Press

في الصحافة


Born in Gaza in 1966, Taysir Batniji studied art at Al-Najah University in Nablus, Palestine. In 1994, he was awarded a fellowship to study at the School of Fine Arts of Bourges in France. Since then, he has been dividing his time between France and Palestine. During this period spent between two countries and two cultures, Batniji has developed a multi-media practice, including drawing, installation, photography, video and performance…

Already involved in the Palestinian art scene since the nineties, he multiplied his participation, since 2002, in a number of exhibitions, biennials and residencies in Europe and across the world.

Taysir was awarded the Abraaj Group Art Prize in 2012 and became the recipient of the Immersion residency program, supported by Hermes Foundation, in alliance with Aperture Foundation in 2017. His works can be found in the collections of many prestigious institutions of which the Centre Pompidou and the FNAC in France, the V&A and The Imperial War Museum in London, the Queensland Art Gallery in Australia and Zayed National Museum in Abu Dhabi.

Taysir Batniji’s work is represented by Sfeir-Semler Gallery (Hamburg/Beirut).

سيرة ذاتية

تيسير البطنيجي ، فنان فلسطيني ولد في غزة عام 1966، درس الفن في جامعة النجاح الوطنية في نابلس) فلسطين (، وفي عام 1994 حصل على منحة دراسية من اكاديمية الفنون الجميلة في بورج (فرنسا (، ومنذ ذلك الحين كان يقسم وقته بين فرنسا وفلسطين، وذلك حتى عام 2006، عندما اشتد الحصار على غزة.

يعتبر البطنيجي جزء من المشهد الفني الفلسطيني منذ التسعينيات، وقد ازدادت مشاركاته منذ عام 2002 في عدد من المعارض الشخصية والجماعية في أوروبا والعالم. كرم تيسير البطنيجي ب جائزة Abraj Group Art، عام 2012، وكرم ايضا في عام 2017 من خلال برنامج Immersion Residency بدعم من مؤسسة Hermes، بالتعاون مع مؤسسةَ Aperture Foundation.

يمكن ايجاد أعماله ضمن مقتنيات عدد من المجموعات الفنية والمتاحف في العالم، مثل مركز Pompidou و FNAC في فرنسا و V&A ومتحف الحرب الامبراطوري في لندن ، ومتحف Queenslandفي أستراليا كما يمكن ايجادها في متحف زايد الوطني في أبو ظبي.

تيسير البطنيجي مُمَثَلْ من قبل جاليري Sfeir-Semler (هامبورغ / بيروت).

Join our guided tours of Taysir Batniji “Sand Comes Through the Window”

Thursdays: 12 am, 4 pm, 6 pm
Saturdays: 11 am, 4pm, 5 pm

The tour lasts for 40 minutes and costs $10 per person.
Places are limited, reserve your spot by contacting us.

انضموا إلى جولاتنا الإرشادية لـ”الرمل يأتي من النافذة” تيسير البطنيجي

الخميس: ١٢ صباحًا، ٤ مساءً، ٦ مساءً
والسبت: ١١ صباحًا، ٤ مساءً، ٥ مساءً

تستمر الجولة لمدة ٤٠ دقيقة، و١٠ دولار للشخص الواحد.
الأماكن محدودة، احجز مكانك بالاتصال.

All artwork featured courtesy of the artist & Sfeir-Semler Gallery (Hamburg/Beirut)

جميع الأعمال بإذن من تيسير البطنيجي وصفير زملر غاليري (هامبورغ/ بيروت)

Photos of the exhibition


Untroubled Irving Penn ■ لا مكترث» إيرفينغ بن»

Works from the Pinault Collection

January 16, 2019 – April 28, 2019

أعمال من مجموعة بينو

الأربعاء، ١٦ كانون الثاني حتى ٢٨ نيسان، ٢٠١٩

Irving Penn (1917-2009), recognized as one of the masters of photography of the twentieth century, is widely admired for his iconic images of high fashion and for the remarkable portraits of the artists, writers, and celebrities who defined the cultural landscapes of his time. 

Drawing inspiration from Resonance, an exhibition organized by the Pinault Collection in 2014 at the Palazzo Grassi in Venice, the exhibition Untroubled seeks first and foremost to pay tribute to the photographer’s unique legacy.

At the heart of the resonance throughout Penn’s prolific body of work is the lasting influence of the core photographic principles he studiously developed early on. The serene consistency of his image production is deeply indebted to his scrupulous efforts, through the years, to abide by the technical and artistic commands he devised for himself. This self-imposed discipline result in a nearly flawless production.

Penn’s principles remain to this day as relevant as ever, so much so that they are still regarded as empirical truths in spite of the socio-economical, philosophic and aesthetic upheavals of a world that is constantly reinventing itself.

Exhibiting the work of Irving Penn to mark the opening of a new center for contemporary image production is a mission statement, one that embraces the history of photography and the work of the late masters while looking to the future. Penn’s work is a monument of epic artistic resilience, a major reference for contemporary photography and an endless source of inspiration for generations to come.

All the photographs that appear in this exhibition are drawn from the Pinault Collection. Although in date they span more than four decades, they are presented not as a retrospective but are loosely arranged by subject. 

Penn was first and foremost a studio photographer. His photographs, with their simple backdrops of paper, canvas, or bare wall, establish a spatial container at once formal and insular. Whether haute couture, still life, ethnography, or memento mori, the image is decontextualized, intense and demanding of attention. 

Penn’s subjects appear at first glance to be quite disparate – celebrities, skulls, cigarette butts. But removed from their natural environment and with an unflinching focus on their materiality, they achieve a democratic leveling that is the signature of Penn’s style. Each subject is equal under his gaze, a quiet yet insistent intruder into the neutral space of the studio. 

Trained as a painter, with photography as a side interest, Penn went on to study commercial art and was eventually hired in 1943 as assistant to Alexander Liberman, art director of Vogue in New York, who will become a life-long mentor and friend. That same year he began working for the magazine as a staff photographer and soon established himself as the most innovative professional in the field. 

Penn’s commercial success did not inhibit but rather fueled his personal artistic experimentation. In 1949-50 he embarked on a series of nudes that were remarkable for their abstraction. Unlike his work for the magazine, where the printing was in the hands of technicians and the images were made for wide distribution, in these photographs Penn had total control over every aspect of the printing. This first experience of close involvement with the print led him to investigate other processes in the 1960s, among them platinum-palladium printing. Practiced early in the twentieth century, the platinum process created an image that is virtually unlimited in its range of tonal variation. The various aesthetic possibilities of the platinum printing process also inspired Penn to revisit earlier work, printing in platinum and palladium photographs that he had originally printed in universally used gelatin silver. Indeed, the constant reworking of image would provide the fundamental structure of Penn’s creative approach. 

The exhibition thus presents the photographs not in a linear, chronological sequence but arranged in a manner that brings out their subliminal affinities. Commercial projects cohabit with ethnographic studies, discarded refuse with sophisticated models, cultural celebrities with animal skulls.
As Penn remarked, “It is all one thing”.

Photo Credit:
The Hand of Miles Davis (C), New York, 1986
© The Irving Penn Foundation

إيرفينغ بن (١٩١٧- ٢٠٠٩)، أحد أهم أساتذة فن التصوير في القرن العشرين، حظي باهتمام واسع بسبب صوره الأيقونية للأزياء الرفيعة، وبورتريهات المشاهير والفنانين والكتّاب، الذين رسموا المشهد الثقافي في زمنه.

“لا مكترث”، هو نسخة محدثة من معرض “ريزونونس” (صدى)، الذي نظمته مؤسسة بينو في قصر غراتسي في البندقية عام ٢٠١٤، وهو يسعى، أولاً وقبل كل شيء، إلى تكريم ميراث هذا المصور الفريد.

لقد صبغت المبادئ الأساسية للتصوير الفوتوغرافي التي طورها بن لنفسه، في مرحلة مبكرة من حياته المهنية، أعمال هذا المعرض. فالتناسق الهادئ في إنتاج صورته يعود أساساً إلى جهوده الدقيقة عبر السنوات، وإلى التزامه بتقنيات وشروط فنية حددها لنفسه. وكان لانضباط ذاتي كهذا أن أدى به إلى إنتاج يكاد يكون مثالياً.
فمبادئ بن هذه لا تزال تلائم يومنا هذا مثلما كان حالها قبل عقود، بحيث لا يزال يُنظر إليها على أنها حقائق تجريبية على رغم الاضطرابات الاجتماعية ـ الاقتصادية والفلسفية والجمالية التي تنتاب عالماً يعيد ابتكار نفسه باستمرار.

وهكذا فعرض أعمال إيرفينغ بن، بمناسبة افتتاح مركز جديد لإنتاج الصورة المعاصرة، إقرار بأهميتها، لكنه أيضاً، وقبل كل شيء، إعلان عن هوية هذا الفضاء الذي يتبنى تاريخ التصوير الفوتوغرافي وأعمال كبار المصورين فيما هو يتطلع إلى المستقبل. فأعمال بن هذه بمثابة نُصب تذكاري لأعمال ملحمية قاومت الزمن كي تحافظ على موقعها كمرجع أساسي في التصوير الفوتوغرافي المعاصر وكمصدر إلهام لا نهاية له لأجيال قادمة.

إن الصور المعروضة في إطار “لا مكترث” هي أعمال من مجموعة بينو. وعلى رغم أنها أخذت على مدى أربعة عقود، فإن المعرض ليس استعادياً، بل هو اقتراح لتسلسل فضفاض محكوم بالموضوع.

لقد كان بن، في المقام الأول، مصور استديو. فصوره ذات الخلفيات الورقية أو القماشية أو الجدران العارية، اعتبرت وعاء مكانياً، رسمياً وانعزالياً، في الوقت نفسه. وسواء عبر تصويره الأزياء الرفيعية أو الطبيعة الصامتة أو الإثنوغرافيا أو “تذكرة الموت” أو ما يعرف بـ “مومنتو موري”، فإن الصور كلها تقيم هنا خارج سياقها، مكثّفة ومتطلبة وتستدعي الانتباه.

وللوهلة الأولى تبدو مواضيعه متفاوتة للغاية: مشاهير، جماجم، أعقاب السجائر…، مواضيع خرجت عن بيئتها الطبيعية لتؤكد على ماديتها. وهي، في هذا، تحقق دمقرطتها لتصبح علامة إيرفينغ بن الفارقة: كل المواضيع متساوية في نظره، إذ يحولها في فضاء الأستوديو المحايد إلى دخيل هادئ إنما مُلحّ.

بن تدرب كرسام، ومارس التصوير كاهتمام جانبي. وهو واصل تعليمه في حقل الفن التجاري وعُين في ١٩٤٨ مساعداً لألكسندر ليبرمان، المدير الفني لمجلة “فوغ” في نيويورك، ليصبح المرشد والصديق مدى الحياة. في السنة نفسها، بدأ عمله كمصور في المجلة إلى أن أثبت نفسه كمحترف ومبدع في هذا المجال.

نجاحه التجاري لم يحل دون خوضه تجربته الفنية الشخصية. فقد شرع في ١٩٤٩- ١٩٥٠ في تصوير مجموعة “العراة” التي اعتبرت استثنائية بسبب قربها من التجريد. وعلى عكس عمله في المجلة، حيث يقوم مهنيون بعمليات الطبع والتوزيع على نطاق واسع، استطاع بن في أعماله الشخصية متابعة كافة مراحل الانتاج والطباعة، وأدى به هذا الانخراط الوثيق إلى اكتشاف طرق أخرى في ستينات القرن التاسع عشر، بينها الطباعة البلاتينية البلاديوم. والأخيرة مورست في أوائل القرن العشرين، واستحدثت تبايناً غير محدود في الأنساق اللونية للصورة. هكذا كان لتعدد الإمكانات الجمالية في الطباعة البلاتينية أن جعله يعيد طبع صور سبق أن طبعها بالفضة الجيلاتينية المستعملة عالمياً.
وبالتأكيد وفّرت إعادة العمل المستمر على الصورة وتكراره بُنية أساسية لنهج بن في الإبداع.

لذا، فالمعرض لا يقدم الصور في تسلسلها السرديّ والزمني، انما يعيد ترتيبها بطريقة تبرز أوجه التقارب المبطنة بينها، بحيث تتعايش المشاريع التجارية والدراسات الإثنوغرافية، والنفايات المهملة والنماذج المعقدة، وكذلك الشخصيات الثقافية وجماجم الحيوانات.
فـ “كلّها ـ بحسب بن ـ شيء واحد”. أمّا الصدى فلا يحدث إلاّ لإتمام طيّ الزمن في حاضر مستمر.

In the Press

في الصحافة

Join our guided tours of Irving Penn’s ‘Untroubled’

Thursdays: 12 am, 4 pm, 6 pm
Saturdays: 11 am, 4pm, 5 pm

The tour lasts for 40 minutes and costs $10 per person.
Places are limited, reserve your spot by contacting us.

انضموا إلى جولاتنا الإرشادية لـ«لا مكترث» إيرفينغ بن

الخميس: ١٢ صباحًا، ٤ مساءً، ٦ مساءً
والسبت: ١١ صباحًا، ٤ مساءً، ٥ مساءً

تستمر الجولة لمدة ٤٠ دقيقة، و١٠ دولار للشخص الواحد.
الأماكن محدودة، احجز مكانك بالاتصال.

Photos of the exhibition

This project has been made possible with the support of Banque Libano-Française

تم إنتاج هذا المعرض بدعم من البنك اللبناني الفرنسي


Passing Time by Fouad Elkoury ■ تمرير الزمن» لفؤاد الخوري»

November 20, 2017 – January 20, 2018

٢٠ تشرين الثاني، ٢٠١٧ – ٢٠ كانون الأول، ٢٠١٨

The title of the exhibition was carefully chosen after one year of digging into Elkoury’s archive. The project resulted in a book and a show with works spanning over 40 years of his work, retracing the change in the Lebanese environment as well as his eye. 

لقد تم اخيتار عنوان المعرض بعد عام من البحث في أرشيف الفنان. المشروع تكلل بمعرض وبكتاب يحملان العنوان ذاته ويحتويان على صور تعود لفترة تزيد على الاربعين عاماً، وتتعقب أثار التغيرات التي طرأت على لبنان وناسه كما تلقي الضوء على مراحل و تغيرات رؤية الفنان.

In the Press

في الصحافة